Heute mache ich es einmal spannend!
Auch das Bild des wunderschönen Banjo war ein Geburtstagsgeschenk für sein Herrli. Banjo war aber schon gestorben, als ich den Auftrag erhielt, ihn zu malen. Eine schöne Erinnerung an einen großartigen Hund!
alle Bilder © Petra Hartl
Kennengelernt habe ich Inka im Oktober 2021 bei den niederösterreichischen Tagen des offenen Ateliers. Ich hatte mein Betätigungsfeld von meinem Wiener Schauraum auf ein Weinviertler Atelier ausgedehnt. Inka kam in Begleitung ihres Frauchens und eines weiteren Paares mit einem ebenfalls alten Hund. In Decken eingehüllt haben wir Hundemenschen einen sehr lauschigen Herbstabend miteinander verbracht. Nur kurze Zeit später kontaktierte mich Inkas Frauchen mit dem Wunsch, ihre Inka von mir malen zu lassen. Seit einiger Zeit sorge sie schon der Gedanke, dass sie Inka einmal verlieren werde …
Bald einigten wir uns auf ein Bild, auf dem Inka - ein Airdale Terrier - wie eine Löwin wirkt, ihre Stärke, Mut und Lebensfreude ausdrückend.
Ich habe ich sehr frohes, fast "übermütiges" Blau als Hintergrund gewählt, das gut zu einem sonnigen Wintertag und der schneeverkrusteten Schnauze passt.
Während ich das Bild malte, wurde bei Inka ein Lymphom diagnostiziert, tapfer ertrug sie die Chemotherapie, aber die Krankheit war unerbittlich.
Am Tag ihres Todes stieg Inka noch einmal auf ihren geliebten Aussichtspunkt auf dem Dach: ein Abschiednehmen von der Heimat, ihrem Zuhause, der Familie.
Inzwischen hat die kleine aufgeweckte Ylvie, ein Mischling zwischen Jack Russel- und Fox Terrier, das Herz von Inkas Frauchen erobert. Ich wünsche der neuen Familie von Herzen alles Gute!
Zum 50. Geburtstag sollte Alexander mit dem Bild seiner geliebten Juli überrascht werden.
Das Geburtstagskind liebt den Anblick Julis, wenn sie liegend die Pfoten nach hinten streckt. Da ein Foto mit der langgestreckten Juli als Vorlage zur Malerei aber ein sehr exzentrisches Bildformat ergeben würde, entschloss ich mich, zwei Bilder zu malen.
Die Pfoten als Amuse-Gueule von mir, die eingerollt schlafende Juli als eigentliches Geschenk. Der Beschenke wurde zum Geburtstag mit ersterem überrascht, das zweite kam ein paar Wochen ganz unerwartet hinterher.
alle Bilder © Petra Hartl
Ganz besondere Beachtung schenkt der spanische Künstler Raúl Rodríguez den Augen der Hunde. Ein Glanz geht von ihnen aus, der den Blicken eine eigentümliche Melancholie und Schwere vermittelt und die Seele der Tiere widerspiegelt. Schauen sie uns an oder richtet sich ihr Blick ins Innere?
Ihre Blicke sind fragend und skeptisch. Diese Hunde sind keine Läufer, Sprinter, Springer, Schwimmer, sie drängen sich nicht ins Leben. Viele verschmelzen fast mit ihrem farbgleichen Hintergrund, bleiben darin gefangen.
Die Gesichter sprechen. Mühelos könnte man die (traurigen) Geschichten der Hunde erzählen. Und das geht sicher mit der Absicht und Hoffnung des Künstlers einher, dass uns seine Bilder mehr zeigen als bloße Porträts. Die Tiere helfen ihm, sich auszudrücken und mit seiner Kunst Gefühle zu vermitteln.
Die intensiven Pinselstriche haben eine vertikale Tendenz und lösen die Körperformen teilweise auf. Sie sind lasierend, gestisch, pastos, immer auf der Suche nach mehr Ausdruckskraft.
Der lockere Duktus erreicht besonders bei den weißen Hunden eine Zartheit, die die Tiere ätherisch und engelhaft erscheinen lässt, als wäre ihre irdische Präsenz bereits im Zerfall begriffen.
La belleza está en cualquier parte, la temática es una excusa para transformarla en pintura.
"Schönheit ist überall, das Thema ist nur ein Vorwand, um sie in Malerei zu verwandeln", schreibt Raúl Rodríguez auf seiner Homepage. Welch Glück für uns, dass er Hunde als Vorwand nimmt.
Der Hund unten erinnert mich an die gezeichneten und gemalten Porträts von Alberto Giacometti! Sieht er nicht aus, als hätte er einen Anzug an?
Alberto Giacometti, Aika, 1959
Alberto Giacometti, Isaku Yanaihara, 1961; beide Bilder von der Fondation Beyeler
Raúl Rodríguez (*1981 in Úbeda/Spanien) wächst in einem kleinen Dorf in Andalusien auf, das ihn in seiner zukünftigen Arbeit inspirieren wird. Die Liebe zur Natur und zu den Tieren ist wohl in dieser ländlichen Kindheit begründet. Nach der Schulzeit studiert er Architektur an der Universität von Granada. Nach mehreren Etappen in der Arbeitswelt findet er zu seiner großen Leidenschaft, der Malerei, zurück, die ihn seit seiner Kindheit prägt.
alle Bilder © Raúl Rodríguez
Dieses Bild stellt Kira dar. Es ist ein seltenes Bild im Werk des serbischen Künstlers Nebojsa Despotovic, da es die Realität wiedergibt und nichts darüber hinaus. Doch bereits in diesem Bild des ruhigen nachdenklichen Hundes von 2012 findet sich der graue Hintergrund, der auch spätere Arbeiten auszeichnet.
Der Künstler arbeitet zumeist in Serien, bei denen enge Beziehungen zwischen den Werken bestehen. Ich zeige hier nur für unsere Thematik relevante Einzelwerke.
Zwischen Figuration und Abstraktion oszillierend, dokumentieren die Arbeiten nicht die Wirklichkeit, sondern zeigen mentale Konstruktionen, die auf Gedächtnis und Fotografien basieren. Nebojsa Despotovic sucht nach Bildern in alten Geschichtsbüchern, Enzyklopädien und Schulbüchern, die er auf Flohmärkten aufstöbert. Auch Bilder aus Magazinen oder aus der Anonymität des Internets sind Quellen, aus denen der Künstler die Inspiration für seine rätselhaften Figuren und geheimnisvollen Schauplätze schöpft.
Er findet Porträts von Personen, die er durch den Malakt vor dem Vergessen bewahrt, und in einem aufwändigen Prozess mit anderem Bildmaterial und Erinnerungen kombiniert. Dabei weicht eine eindeutige Erzählung zugunsten einer poetischen Konstruktion des Werks: Vergangenheit und Gegenwart, Fantasie und Realität, Emotion und Erinnerung werden vermischt und zusammengefügt. Es entstehen rätselhafte Arbeiten, die lediglich durch die sehr poetischen Bild- und Ausstellungstitel Interpretationsmöglichkeiten andeuten.
Matte, bleierne Farben, dunkle und doch lebhaften Grautöne sowie nie vollständig definierten Figuren und kaum skizzierten Details bestimmen seine Bildsprache.
Ausstellungsansicht "Little Puff Of Wind", 2020 © Nebojsa Despotovic, Galerie Boccanera
Nebojsa Despotovic (*1982 in Belgrad/Serbien) lebt und arbeitet zwischen Treviso und Berlin. 2006 machte er sein Diplom in Malerei und 2011 in Bildender Kunst, beides an der Akademie der Schönen Künste von Venedig.
Quelle: Galerie Boccanera
alle Bilder © Nebojsa Despotovic
Maddy Buttlings kleinformatige Gemälde (sie sind meist nur 10-20 cm groß) zeigen Hunde, Katzen und Hamster zumeist in ihren vertrauten häuslichen Interieurs, wobei sowohl Humor als auch Zärtlichkeit der Darstellung bestimmende Elemente sind. Die intimen Bilder spiegeln das Pathos des Alltäglichen wider.
Die Künstlerin hat sich schon immer sehr für Kunst und Tiere interessiert. Zusammen finden beide Interessen als Abra, der Hund ihrer Kindheit, starb. Wie besessen begann Maddy Buttling, einer wiederholenden, fast rituellen Praxis gleich, gegen ihren großen Verlust anzumalen. Abra zu malen, wurde zu einer Methode, um ihre Trauer zu verarbeiten, eine Trauer, die nicht nur den Verlust ihrer Gefährtin betraf, sondern auch das symbolische Ende ihrer Kindheit.
Das ist Abra!
Maddy begann sich mit der Idee zu beschäftigen, Tieren ein Denkmal zu setzen, nobilitiert und erhöht durch die Erhabenheit der Ölfarbe. Das Format allerdings bleibt klein, es ist eines der wichtigsten Elemente ihrer leisen und sensiblen Arbeit. Die Bilder sind Fenster in private Räume und es liegt nicht in ihrer Natur, eine ganze Wand zu füllen.
Obwohl kleinformatige Bilder mit Tiermotiven im heutigen Kunstkanon nicht sehr populär sind, möchte Maddy Buttling keine Kompromisse eingehen. Sie weiß, dass ihre Arbeiten - sowohl das "Haustierporträt" als auch die "Miniatur" - als ironischer Kitsch gelesen werden können, sie bezeichnet sie aber als authentisch sentimental. Ihre Praxis spielt mit dem Malen von Tieren als einem echten Akt der Hingabe.
My practice revolves around a fascination with the human experience of animal death. Made on an intimately small scale, my paintings ritualistically stalk household pets. Working in series, I follow animals and the spaces they occupy, as they inevitably die and are replaced along with the furniture. I devote myself to unironically deifying the ephemeral pet, while observing the humour and tenderness of the relationship between human and animal. (zit. n. hier)
Ihre Arbeit beschäftigt sich also mit dem Leben und dem Tod von Haustieren und den Erfahrungen, die der Mensch beim Tod eines geliebten Tieres macht. In ihren Gemälden zeigt sie die Tiere in ihren häuslichen Umgebungen, während sie unweigerlich sterben und zusammen mit den Möbeln ersetzt werden. Sie widmet sich der unironischen Vergötterung des vergänglichen Haustiers und beobachtet gleichzeitig die Heiterkeit und die Zärtlichkeit der Beziehung zwischen Mensch und Tier.
Maddy Buttling malt oft in Serien und greift dabei auf dieselben Motive zurück. In der Regel plant sie Bilder anhand von spontan aufgenommenen Handy-Fotos, die sie manchmal zuschneidet, aber ansonsten kaum bearbeitet.
Unten sehen Sie zwei Bilder der Serie "crufts", die auf Fotos zurückgehen, die sie auf der Crufts-Hundeschau 2019 von einer Gruppe von Whippets gemacht hat, die sich für den Heimweg fertig machen. Die Künstlerin hat den Hintergrund an das Filzgrün der Wettbewerbsarena angepasst. Ganz auffällig sind die entzückenden Gewänder der Hunde. Mich erinnern diese Malereien in ihrer Warmherzigkeit ein bisschen an meinen Lieblings-Bilderbuch-Illustrator John A. Rowe, z.B. an sein Buch "Jap, der Hund".
"Motzy" (kurz für Mozzarella) hatte eine Entwicklungsstörung, die ihre Familie "floppy dog syndrom" nannte. Man erinnert sich, dass Motzy die meisten ihrer Ausflüge damit verbrachte, fröhlich auf dem Boden herumzuhüpfen. Statt auf einem Hintergrund liegt sie am zweiten Bild auf der sichtbaren Sperrholzplatte. Die Maserung des Holzes kommt zum Vorschein, da Maddy die Holztafeln mit klarem Gesso grundiert, sodass die Maserung und der Farbton des Holzes zum Grund werden.
Eine ganz besondere Idee liegt den nächsten beiden Bildern zugrunde. Sie sind Teil der Lockdown-Serie "unsolicted grief paintings", bei der die Künstlerin die kleinen Gemälde unaufgefordert an BesitzerInnen von kürzlich verstorbenen Haustieren verschenkte. Ihr diente es als Übung für das Schaffen unbeschwerterer Werke und als Übung im Loslassen. Da sie die Malereien direkt in das Haus des überraschten Trauernden brachte, wurde die Lieferung selbst zum Ausstellungsraum.
Das Gemälde "10:18" zeigt ihren Hund Frida im Schlafzimmer während des Lockdowns. Er leckt sich sittsam den Hintern, während er auf ihrem Kopfkissen sitzt. Das Bild ist nach der Uhrzeit betitelt, zu der das Referenzfoto aufgenommen wurde.
Dass die leeren Welten von Edward Hopper, Andrew Wyeth und Vilhelm Hammershoi die Künstlerin beeinflussen, kann man am unteren Bild gut nachvollziehen.
Anfang 2020 hat Maddy Buttling mit der Arbeit an einer Reihe von Gemälden rund um eine Hundefamilie begonnen, mit der die der Youtuberin "Jenna Marbles" lebt. Jedes Bild ist nach dem Video betitelt, aus dem Maddy Buttling die Referenz auf dem Bildschirm aufgenommen hatte. Die Bilder sind und auf Tafeln gemalt, die auf die gleichen Maße wie der YouTube-Vollbildschirm auf ihrem Laptop hatte. Die Serie "youtube screen-captures" ist eine Hommage an die flüchtigen Online-Hunde-Idole.
Die Links zu den Videos finden Sie auf Maddy Buttlings Homepage.
Nur eine Mützen-Assoziation, die sich bei mir sofort einstellte! (unten Michael Borremans)
Maddy Buttling hat 2020 ihren BA in Bildender Kunst am Chelsea College of Arts gemacht.
Maddy Buttling in ihrem Studio. Foto von Jackson's
Die Instagram-Seite der Künstlerin
Meine hauptsächliche Quelle war ein Interview mit der Künstlerin, in dem sie auch über den handwerklichen Aspekt ihrer Arbeit Auskunft gib, z.B. über die Akkuratesse ihrer Tapes-Verwendung oder über das Mischen der Farbe.
alle Bilder © Maddy Buttling
Als ich die Serie "Working Dogs" von Dede Gold erstmals sah, erinnerte ich mich sofort an Kirstin Kolb, die bei ihren Malereien Bücher als Malgrund verwendete. Während Kirstin Kolb inhaltliche Zusammenhänge zwischen Buchtitel und Malerei herstellt, bringt Dede Gold ihre Hunde auf Zeitungspapier mit Londoner U-Bahn-Stationen in Verbindung. Besonders passend: Barking!
Dede Gold ist bekannt für ihre Hundeporträts. Oft malt sie Terrier, Jagdhunde oder Mischlinge, die sie in ihrem Zuhause besucht, um einen Eindruck von ihren unverwechselbaren Eigenheiten und Macken und ihren besonderen Charakterzügen zu bekommen. Es sind die Hundeseelen, die sich in Haltung und Ausstrahlung manifestieren, für die sich Dede Gold interessiert und nicht die offensichtliche äußere Attraktivität.
Mir gefällt der "Thinking Dog" am besten: Wir alle wissen, ein schöner Rücken kann entzücken, ein "verlängerter Rücken" natürlich ebenso. Kompakt und sehr körperlich sitzt der Terrier vor dem leuchtend roten Hintergrund und bildet eine außerordentlich gelungene und einprägsame Komposition.
Schade, dass die Künstlerin nicht öfter leuchtende und kräftige Farben verwendet, die Hintergründe sind meist sehr monochrom an die Farbigkeit der Hunde angepasst, wodurch Dede Gold eine stimmige Ausgewogenheit erzeugt. Ihre Hunde strahlen Ruhe und Gelassenheit aus: Abwartend, beobachtend, neugierig oder aufmerksam besetzen sie den großzügigen Freiraum oder sind wie der Dackel ins Bild gezwängt.
Dede Gold (*1971) wuchs in Irland auf und machte 1993 ihren Abschluss in Rechtswissenschaften am Trinity College in Dublin. Nachdem sie als Anwältin in Dublin und London gearbeitet hatte, verbrachte sie einige Jahre in der Welt der Pferderennen in Newmarket, bevor sie sich der Kunst zuwandte. Dede Gold teilt ihre Zeit als Malerin zwischen ihrem Atelier in den Cotswolds und ihrer irischen Heimat auf.
Because I'm Happy!
alle Bilder © Dede Gold
Die Tiere haben in Quique Ortiz einen Verbündeten gefunden, der nicht nur durch seine Lebensweise und sein Engagement für sie eintritt, sondern auch seine Malerei zu einem Kampf für ihre Rechte macht.
Der Künstler ernährt sich seit Jahren vegan und versucht, wann immer er kann, an Kundgebungen oder Demonstrationen gegen Speziesismus (Diskriminierung auf Grund der Spezies) oder an Kursen und Workshops über Tierethik und Aktivismus teilzunehmen. Er arbeitet auch mit Tierheimen zusammen, die sich in einer prekären Lage befinden. Einen Prozentsatz dessen, was er mit seinen Kunstprojekten verdient, spendet er an Tierschutzorganisationen.
Schon als Kind hat Ortiz immer mit Tieren zu tun gehabt, und die Werte, die in seiner Familie vermittelt wurden, waren stets von Respekt und Gleichberechtigung gegenüber Tieren geprägt. Folgerichtig also, dass er zum Antispeziesismus fand, noch bevor er die Bedeutung des Begriffs und alles, was er beinhaltet, kannte. Für Ortiz ist der Antispeziesismus eine Haltung, die auf der gleichen Ebene steht wie jeder andere soziale Kampf, wie zum Beispiel der Kampf für Menschenrechte, gegen Rassismus oder Sexismus.
Seine ersten Erinnerungen an das, was er malte oder zeichnete, waren Tiere. Manchmal mochte er sie sogar mehr als die Menschen: "Ich sage immer, dass mein Lieblingsmensch ein nicht-menschliches Tier ist, nämlich mein Hund Asia".
Der Hund als solches spielt in Ortiz' Werk auch eine Hauptrolle. Er repräsentiert nicht nur die Werte eines domestizierten, schmeichelnden und treuen Tieres, sondern er symbolisiert auch Kampf, Stärke, zurückgehaltene Wut. In seiner figurativen Malerei und Zeichnung siedelt er seine Hunde in der intimen, dunklen und geheimnisvollen Nacht an, die kaum von Licht durchbrochen wird.
Es gibt eine gewisse Brutalität in seiner Arbeit, wie in der Existenz selbst, die schwer zu ertragen ist. Sein Werk ist nicht freundlich oder angenehm, sondern gewalttätig. Gewalt, Unzufriedenheit und Angst durchdringen es ebenso wie ein Aufruf zum Handeln oder zur Wachsamkeit. Die Arbeiten sollen bei den Betrachtern Spannungen und Unbehagen auslösen, um sie dazu zu bringen soll, Fragen zu stellen und andere Lesarten dessen, was im Bild geschieht, zu finden.
Neben dem Motiv des Hundes wählt Ortiz das zeitgenössische Thema des Tierschutzes als Ausdrucksform für seine künstlerische Arbeitsweise. So besteht das Projekt, das er in den letzten Jahren entwickelt hat, aus figurativen und realistischen Gemälden und Zeichnungen, die verschiedene Aktionen der Animal Liberation Front (ALF) dokumentieren. ALF ist der Name eines Kollektivs von Tierrechtsaktivisten, die sich mit gewaltfreien direkten Aktionen für die Befreiung von Tieren einsetzen. Dazu gehört die Rettung von Tieren aus Tierversuchslabors und die Sabotage und der Boykott von Industrien, die auf der Ausbeutung von Tieren durch den Menschen basieren. Die ALF dokumentiert Grausamkeit und Vernachlässigung, beschädigt Foltergeräte und befreit Tiere von Leid und Vernachlässigung, um ihnen ein besseres Leben zu ermöglichen.
Ortiz bedauert, dass unsere Gesellschaft diese mitfühlenden und mutigen Handlungen als illegal betrachtet und die Aktivisten in die Anonymität zwingt, wo sie sich hinter Sturmhauben verstecken. Die aggressive Ästhetik der Sturmhaube steht in krassem Gegensatz zu der Tatsache, dass das Ziel die Rettung wehrloser Tiere ist.
Ortiz sammelt die Vorlagen für seine Bilder aus dem Internet oder aus Zeitschriften, zuletzt verwendete er vor allem Archivbilder verschiedener Aktionen der Frente de Liberación Animal. Meist sind die Fotos von schlechter Qualität, was Ortiz als Freiheit zum Experimentieren nutzt: Er fügt Elemente hinzu oder lässt etwas weg, verleiht ihnen durch Malerei und Zeichnung mit seiner künstlerischen Arbeitsweise einen kollektiven Charakter. Er malt in der Regel mit Öl auf Leinwand, führt aber auch andere Techniken wie Acryl, Sprays und Marker auf Holz ein und zeichnet mit Graphit und Kohle auf Papier.
Ortiz Kunst ist nicht autonom, sondern im Gegenteil funktional, sie ist eine "Waffe", sie ist Aktion. Die Kunst und die Künstler spielen eine Rolle bei der gesellschaftlichen Umgestaltung - und zwar über den therapeutischen und beruhigenden Effekt hinaus, den der bloße Akt des Kunstschaffens für die Künstler selbst haben kann; Ortiz versucht mit seinem Kunstprojekt eine bestehende Situation, wie die Ausbeutung nicht-menschlicher Tiere durch den Menschen, öffentlich zu machen und gleichzeitig den Betrachter für dieses Problem zu sensibilisieren und eine Veränderung einzuleiten.
Santander's Urban Art. Ein Graffiti von Quique Ortiz auf einer Mauer in Santander, Spanien, 2020. Der genaue Ort und weitere Fotos sind auf dieser Karte zu sehen.
Quique Ortiz (*1988 in Santander/Spanien) hat einen Abschluss in Bildender Kunst von der UPV/EHU und einen Master-Abschluss in künstlerischer Produktion und Forschung von der Universität von Barcelona UB. Ortiz war sowohl in Einzel- als auch als Gruppenausstellungen in Spanien, Portugal und Deutschland vertreten. Er lebt und arbeitet in Santander.
Quellen: Interview mit Quique Ortiz in Elemmental, Galeria Juan Silio
alle Bilder © Quique Ortiz
Das Erste, das an den Bildern des schwedischen Künstlers Markus Akesson auffällt, sind die üppigen, überbordenden Muster, Ornamente und Texturen, die auf unterschiedlichen Textilien vorkommen. Fast kann man von einer fetischistischen Haltung gegenüber Mustern und Texturen sprechen, überziehen sie doch fast alles wie Kleider, orientalische Teppiche oder Tapisserien.
Muster faszinieren den Künstler, er findet sie geheimnisvoll und fühlt sich von der Wiederholung und dem Rhythmus angezogen. Gleichzeitig stellt deren Wiedergabe eine technische Herausforderung für Markus Akesson dar.
Besonders in der "Now You See Me"-Serie wird die Besessenheit von der Stofflichkeit deutlich. Der Künstler hüllt seine Porträtierten in kunstvoll gemusterte Seiden- und Satinstoffe, sodass nur der Abdruck ihrer Gesichter, Gliedmaßen und Torsi sichtbar bleibt. Nachdem er viele Bilder mit Menschen gemalt hatte, die von Mustern, verschiedenen Oberflächen und Materialien umgeben waren und darin fast ertranken, bedeckte er sie schließlich komplett mit Stoffen.
Markus Åkesson ist ein neofigurativer Maler, der seinen Gemälden oft eine düstere und poetische Atmosphäre verleiht. Viele seiner Bilder erinnern an Volksmärchen, Fantasien, Mythen und Traumwelten. Seine Kunst verbindet fantastische Elemente und realistische Darstellungen von Tieren oder Wäldern. Schönheit erreicht er durch die kompakte Stille, die die Porträtierten ausstrahlen und durch eine lebendige, beeindruckende Farbpalette.
In seinem Atelier finden perfekt inszenierte Fotoaufnahmen statt, bei denen er seine Modelle mit verschiedenen Kostümen und Accessoires ausstattet und beleuchtet. Dabei verleiht sein ausgefeiltes Verständnis für Licht und Schatten seinen ProtagonistInnen ein traumhaftes Geheimnis, das die Fantasie beflügelt.
Mit der Darstellung der detailreichen Ornamente bezieht sich der Künstler auf William Morris, einen britischer Textildesigner und Schriftsteller, der mit der britischen Arts-and-Crafts-Bewegung verbunden war und einen wichtigen Beitrag zur Wiederbelebung der traditionellen britischen Textilkunst und -herstellung leistete. Einen weiteren wesentlichen Bezugspunkt bildet Sir Edward Coley Burne-Jones, ein britischer Künstler und Designer, der mit der präraffaelitischen Bewegung in Verbindung gebracht wurde.
In seinen Bildern geht es um die Herausforderung zwischen der offensichtlichen und verführerischen Schönheit und dem, was dem Betrachter auf den ersten Blick verborgen bleibt: den Geschichten, die sich in den Mustern der raumgreifenden Stoffe und Wandteppiche verbergen. Die psychologische Dimension der Werke wird nicht nur durch das mit großer plastischer Intensität gemalte Subjekt verkörpert, sondern auch durch das Dekor.
Markus Åkesson (*1975) ist Autodidakt und stellt national und international aus. Er lebt und arbeitet in Nybro/Schweden.
Quellen: Galerie Da-End, Vida Museum, Berg Gallery, ArtRootz, Art UPON
alle Bilder © Markus Akesson
Was machen die beiden kostümierten Pudel vor dem Krokodil? Dieser Frage wollte ich nachgehen, nachdem ich das erste Mal die Serie "Melting Plot" (2020) von Beáta Hechtová gesehen hatte.
Bevor Beáta Hechtová mit der Arbeit an einem Werk beginnt, erstellt sie eine digitale Collage aus Fotos, die sie aufgenommen oder aus dem Internet heruntergeladen hat. Um bestimmte Positionen oder Ausdrücke von Menschen zu erhalten, fotografiert sie Fremde oder bittet Freunde, für sie zu posieren.
Ich kann Stunden damit verbringen, Bilder von verkleideten Welpen, seltsam aussehenden Tieren, fleischfressenden Pflanzen, lustigen Masken, Regenbogen-Cupcakes, Einhörnern, Robotern auf dem Mars, die Selfies machen, einfach alles, was diese verrückte Internetwelt an verrückten Dingen zu bieten hat, zu googeln. Dann übernimmt ein Bildbearbeitungsprogramm die Rolle des Bleistifts, während ich das Material verändere, kombiniere, einzeichne und für eine mögliche Weiterverwendung aufbewahre. (zit. n. Les Nouveaux Riches, übersetzt mit DeepL.com)
Damit wäre meine Frage beantwortet. Ausgangsmaterial für ihre Arbeiten ist eine ständig wachsende Sammlung von Fotos, Screenshots, Videos aus den digitalen Medien. Inhaltlich wird sie von Geschichten von Menschen, verschiedenen Traditionen und Religionen, Ritualen, Legenden, Mythen, Märchen, Tieren und Technologien inspiriert.
Die Collage wurde für die Künstlerin das am besten geeignete und ihren Motiven entsprechende Werkzeug: Geschichten, Zeiten, Kulturen, alles verschmilzt miteinander. Der Titel der Serie, der auch das Pudelbild angehört, heißt dementsprechend "Melting plot": Schmelztiegel.
Auffällig sind die leuchtenden, kontrastreichen Farben der Popkultur, denen jegliche Zwischentöne fehlen. Sie stellt ihre in der Gestik expressiven Figuren in mehreren leuchtenden Farben dar. Mich erinnern die menschlichen Körper an Aufnahmen einer Wärmebildkamera. Hysterisch heischt die Farbe nach Aufmerksamkeit, nirgends findet das Auge Ruhe oder Entspannung. Die Farbe lenkt vom Inhalt ab und verweist damit auf die visuellen Strategien der Pop-Kultur.
Die Szenerien in Melting Plot basieren größtenteils auf Fotografien, die Beáta Hechtová während eines Aufenthalts im südamerikanischen Amazonas-Regenwald gemacht hat. Sie hat Fotos von verschiedenen Menschen, Tieren, Gegenständen und Orten collagiert und durch Bilder aus dem Internet ergänzt. Ihre Strategie ist es, Teile aus verschiedensten Kontexten zusammenzufügen, sodass möglichst unwahrscheinliche Kombinationen, Widersprüche und absurde Situationen entstehen.
Mögliche Widersprüche und Dichotomien, die unterschiedliche, aber auch überlappende und kommunizierende Realitäten bilden, sind Stadt - Natur, Utopie - Dystopie, Spiritualität - Materialismus, Individualismus - Masse, Tragödie - Komödie.
Wie sieht es nun mit unseren Pudeln aus? Die Hunde dienen lediglich als Irritationsmoment, als skurriles Element sowie zur Darstellung eines Gegensatzes. Mir drängt sich folgende Frage auf? Gehören die Hunde in die Wildnis des Regenwalds oder in die Wildnis des Großstadtdschungels? Der Natur-Kultur-Widerspruch tritt als Ambivalenz in den Hunden selbst auf, sind sie doch artifiziell kostümiert. Können die Hunde noch der Natur zugeordnet werden oder gehören sie bereits zu einer urbanen Familienkultur?
Beáta Hechtová wurde im Amazonasgebiet von der Erfahrung des täglichen Lebens inspiriert, in der die Korrespondenz mit der Natur von grundlegender Bedeutung ist und in der das Eindringen von Technologie und Aspekten des städtischen Lebens seltsame Mischungen hervorbringt. In ihren Gemälden stellt sie diese Mischungen, dekontextualisierte Geschichten, versteckte Identitäten, absurde Situationen und unwahrscheinliche Kombinationen dar.
Beáta Hechtová, (*1991 in Prag/Tschechische Republik) hat ihren Bachelor in Illustration und Grafik an der Universität von Westböhmen in Pilsen/Tschechien gemacht; 2014 zog sie nach Wien, wo sie 2020 ihr Diplomstudium an der Universität für angewandte Kunst an der Abteilung für Druckgrafik abschloss. Als globale Nomadin reiste sie viel und lebte längere Zeit in Peru, Spanien und den USA. Die Eindrücke, die sie in ihren unterschiedlichen Lebenswelten gesammelt hat, scheinen in ihren Gemälden, Drucken und Installationen auf. Sie lässt sich aber auch von der lebhaften Atmosphäre und der kulturellen Vielfalt Wiens inspirieren, wo sie zurzeit lebt und arbeitet.
Quellen: Homepage der Künstlerin, Les Nouveaux Riches Magazine, Galerie Rudolf Leeb, Hochschule für angewandte Kunst
alle Bilder © Beáta Hechtová
