Was macht ein Niederländer in Köln? Er schaut sich die Rembrandt-Ausstellung "Inside Rembrandt" im Wallraf-Richartz-Museum an und findet noch Zeit, mir ein Foto von Fritz von Uhdes "Familienkonzert" aus der permanenten Sammlung des Museums zu schicken. Vielen Dank an Rodney van den Beemd dafür!

Ich möchte Rodneys Anregung gerne mit Ihnen teilen, kommt doch in Fritz von Uhdes Gemälde ein Hund vor, der einem Familienkonzert lauscht. Stand bei meinem Post "Und noch eine Hundeschnauze schiebt sich ins Bild!" der Geruchssinn des Hundes im Vordergrund, geht es diesmal um seinen Gehörsinn.

Fritz von Uhdes frühes dunkeltoniges Salongemälde "Familienkonzert" von 1881 lehnt sich motivisch an die Malerei eines Frans Hals an. Uhde studierte die alten Meister in der Münchner Pinakothek, dabei entwickelte er eine besondere Vorliebe für die Niederländer unter deren Einfluss seine ersten Bilder wie z.B. das "Familienkonzert" oder "Die gelehrten Hunde" entstanden.

Der Künstler malt eine Familie in der holländischen Tracht des 17. Jahrhunderts, die sich um einen Tisch zum Hauskonzert eingefunden hat. Die Musikanten befinden sich im Hintergrund, während der Vordergrund von einem Raben und einem umgefallenen Krug eingenommen wird. Der Rabe symbolisiert Unglück, der umgestoßene Krug steht für den unmoralischen Lebenswandel. Die Szene zerfällt kompositorisch in mehrere Kleingruppen, die keineswegs andächtig lauschen.

Der Hund hat die Ohren zurückgelegt - ein Zeichen dafür, dass ihm etwas unangenehm ist - und starrt präsent aus dem Bild heraus. Ihm scheint das Gehörte zu missfallen. Von Uhde stellt diese anekdotische Szene realistisch, vielleicht sogar augenzwinkernd ironisch dar, ganz im Gegensatz zur idealisierten Salonmalerei seiner Zeitgenossen.

Hier noch das oben erwähnte Frühwerk "Die gelehrten Hunde":

Fritz von Uhde, er gehörte 1892 zu den Mitbegründern der Münchner Secession, hat sehr viele Hunde gemalt. Immer wieder taucht in den Gemälden sein Hund "Kitsch" auf, der den impressionistischen Garten belebt. Ein paar Beispiele sehen Sie unten:

Fritz von Uhde (1848-1911) zählt in Deutschland zu den großen Meistern des Realismus und des Impressionismus. Er war mit Max Liebermann befreundet, der ihm die Freilichtmalerei näherbrachte. Neben Liebermann, Lovis Corinth und Max Slevogt gilt Uhde - als Maler des Lichts - als bedeutendster Vertreter des deutschen Impressionismus.

Als begleitende Veranstaltung zur Biennale zeigt die Fondazione Querini Stampalia die erste große Jörg-Immendorff-Ausstellung in Italien: Ichich, Ichihr, Ichwir / We All Have to Die.

Dabei handelt es sich nicht um eine Retrospektive, sondern um eine Präsentation seines Spätwerks, in dem er sich mit der Rolle des Künstlers in Gesellschaft und Geschichte auseinandersetzt.

Ab 1998 - Immendorf erfährt von seiner ALS-Erkrankung - ist sein Werk weniger erzählend oder politisch motiviert. Er nimmt vielmehr vermehrt Anleihen bei der Renaissance. Dahinter steht einerseits ein ganz grundlegendes Interesse an der Kunstgeschichte, das ihn seine gesamte Schaffensphase hindurch begleitete. Er musste aber auch eine Methode finden, die es ihm ermöglichte, seine Arbeit trotz seiner sich verschlimmernden Nervenkrankheit, die ihn immer mehr bewegungsunfähig machte, fortzuführen.

Immendorff konzipiert nun die Bilder: Er malt quasi mit dem Kopf und nicht mehr mit den Händen; beschreibt seinen Assistenten, wie die Werke auszusehen haben. Diese müssen die Anweisungen dann ausführen. Hierfür eignet sich logischerweise ein Zurückgreifen auf das bereits bestehende Repertoire der Kunstgeschichte.

Vor monochrome Hintergründe setzt Immendorff geheimnisvolle Figuren, die zu einer eigenen Ikonographie führen. Auch bei "Malsand" sind die sitzende und dahinter stehende Figur vor einem monochrom schwarzen Hintergrund und einer schwarzen felsigen Landschaft zu sehen.

Der Hund erinnert mich ein bisschen an den Windhund von Dürer, der auch in Dürers "Der heilige Eustachius" vorkommt, vielleicht ist "Malsand" von ihm inspiriert.

Albrecht Dürer,  A greyhound, um 1500, Royal Collection Trust

Albrecht Dürer,  Der heilige Eustachius, ca. 1501, Staedel Museum

Jörg Immendorff (1945-2007) war einer der wichtigsten deutschen Künstler der Nachkriegszeit. Seine Arbeiten werden seit Mitte der 1960er Jahre international ausgestellt. Er nahm 1972 und 1982 an der Documenta teil, 1976 an der Biennale Venedig. Er lebte und arbeitete in Düsseldorf und Hamburg.

Die Immendorff-Ausstellung in der Fondazione Querini Stampalia ist noch bis zum 24. November 2019 zu sehen.

Das Kunstforum Wien zeigt Pierre Bonnard (1867–1947) in der Ausstellung "Farbe der Erinnerung". Schon im Titel stecken zwei wesentliche Merkmale von Bonnards Malerei: Er malt aus der Erinnerung und sein Thema ist die Farbe, dargebracht vor allem an den Motiven Figur, Interieur und ihn umgebende Landschaft.

Keine Wirklichkeit, kein Motiv soll den Post-Impressionisten von der Farbe ablenken, die er sowohl minimalistisch dünn als auch pastos aufträgt. Immer wieder malt er seine Freundin und spätere Ehefrau in wiederkehrenden Ansichten ihres Zuhauses. Dabei schafft er Durchsichten von innen nach außen (Fenster- und Türdurchblicke), malt Spiegel, die den Blick in den Raum erweitern und ungewöhnlich komplexe sowie angeschnittene Kompositionen, die schon den kommenden Jugendstil andeuten.

Immer wieder verschwimmen Motive im farbenfrohen Punkt- und Liniengewirr. Auch so mancher Hund ist erst auf den zweiten oder dritten Blick zu erkennen.

Obwohl Bonnard viele Hunde gemalt hat, habe ich nur diese drei in der Ausstellung entdeckt:

Im "Esszimmer, Vernon" sehen wir einen Innenraum, der durch eine Tür zum Garten geöffnet ist. Die Szene spielt sich im für Bonnards Malerei so charakteristischen Bereich zwischen innen und außen ab. Alles scheint zu flimmern, hinter der geöffneten Gartentür erkennen wir ein verschwommenes Gesicht - vielleicht Bonnard selbst - der die Szene beobachtet. Die Kinder richten ihren Blick auf eine dunkle Stelle neben dem Esstisch. Erst auf den zweiten und dritten Blick erkennen wir eine Hundeschnauze.

Auch im "Haus unter Bäumen" finden wir einen kleinen Hund, der seine Besitzerin beim Spaziergang begleitet.

Die Retrospektive im Kunstforum Wien entstand in Kooperation mit der Tate, London und der Ny Carlsberg Glyptothek, Kopenhagen. Unterstützt durch den Bonnard Exhibition Supporters Circle und Tate Members. Sie konzentriert sich auf Bonnards reifes Werk, das nach seinem ersten Besuch an der Côte d’Azur 1909 und der tiefgreifenden Erfahrung des Mittelmeerlichts einsetzt.

Die Ausstellung ist noch bis zum 20. Jänner 2012 zu sehen.
 

Nachdem der Name Axel Krause in den letzten Monaten im deutschen Feuilleton sehr präsent war, wollte auch ich wissen, wer dieser Axel Krause ist und was es mit seiner Kunst auf sich hat. Erfreulicherweise habe ich ein Gemälde mit Hunden gefunden, das als Aufhänger dienen kann: "Die Puppe" von 2006.

Ist dieses Bild konservativ, patriotisch, nationalistisch, rechts, rechtsextrem, "entartet"? (Krause bezeichnete sich selbst ironisch und jede Relation vergessend als "entarteten Künstler"). Natürlich nichts davon. Ist es gut oder schlecht - im künstlerischen Sinn?

"Die Puppe" wurde 2007 in der Ausstellung "Heimsuchung" der Galerie Kleindienst gezeigt. 2018 hat sich der Galerist nach langjähriger Zusammenarbeit von Krause getrennt, da der Künstler mit der AfD sympathisiert und der Galerist keine Trennung zwischen Künstler und Werk vornimmt.

2019 wurde Axel Krause aufgrund der künstlerischen Qualität seines Werkes (wie die Organisatoren beteuern) zunächst zur Leipziger Jahresausstellung eingeladen, um dann - nach Protesten wegen seiner AfD-Nähe (er ist Mitglied im Kuratorium der parteinahen Desiderius-Erasmus-Stiftung) und weil andere Künstler ihre Werke zurückzogen - wieder ausgeladen zu werden. Dazwischen stand die Option die ganze Schau abzusagen.

Für das Ausladen, Boykottieren und "Annullieren" eines Künstlers oder einer Künstlerin aufgrund von Äußerungen oder von politisch-moralischen Fehlverhaltes gibt es inzwischen den Begriff der "Cancel Culture". Auch das prominent im Feuilleton nachzulesen.

Ich neige dazu Werk und Künstler zu trennen, das Werk sollte nicht in Geiselhaft für den Künstler genommen werden (was hieße das in Bezug auf die Werke von Caravaggio, Balthus, der Futuristen etc.). Die Frage sollte meines Erachtens lauten, ist das Werk gut oder schlecht: der künstlerischen Qualität nach, nicht hinsichtlich der moralischen Beurteilung seines Schöpfers.

Wie sieht also Axel Krauses Werk aus:

Es ist auf den ersten Blick keinesfalls tagespolitisch und auch auf meinen zweiten Blick nicht politisch. Sein Werk ist rückwärtsgewandt insofern, als es sich vor allem auf die traditionelle Kunstgeschichte bezieht. Es scheint keinem politischen oder pädagogischen Auftrag zu folgen, sondern will - wie Krause angibt - Kommunikationsprozesse anregen. Selbstverständlich will es ausgestellt und verkauft werden.  (vgl. Interview mit Krause hier)

Axel Krauses Vorgehensweise ist die der Collage, er setzt die wesentlichen Teile seiner Gemälde aus verschiedenen Bildquellen zusammen:

(...) Die mir eigene Arbeitsweise, Bilder zu entwerfen um sie dann auf der Leinwand auszuführen, erinnert mich an den Ausspruch eines berühmten Kollegen: "Dies ist keine Pfeife". Die philosophische Dimension erschließt sich dem Betrachter rasch: Dies ist natürlich das Bild einer Pfeife. Ich male Bilder von Bildern. Genau genommen male ich Bilder von Bildern von Bildern, denn während der Arbeit an meinem Entwurf folge ich einem begrifflich nicht zu identifizierenden inneren Bild, dass (sic!) lediglich mit einer nebulösen, emotionalen Gemengelage zu beschreiben wäre (...) (Axel Krause zit. nach hier)

 

Krause bezieht sich in seinem Zitat auf seinen "berühmten Kollegen" Magritte. Und verschafft man sich bei der Google-Bildersuche einen Überblick über Krauses Werk, finden sich in seinen Bildern tatsächlich viele Anregungen durch die Surrealisten (nicht nur René Magritte, auch Max Ernst, Giorgio de Chirico werden verarbeitet). Aber ebenso finden sich Bildzitate von C. D. Friedrich (Wanderer über dem Nebelmeer), Edward Hopper, Balthus. Ich sehe auch viel Amerikanischen Realismus und Präzisionismus (z.B. bei der exakten Darstellung der Maschinenwelt und futuristischer, utopischer Architektur…), Neue Sachlichkeit, Leipziger Schule (er war unter anderem Schüler von Arno Rink).

Krauses Herangehensweise kann man positiv sehen als Collageprinzip, das neue Traumwelten schafft oder negativ als banalen Eklektizismus. Vermutlich sollte die Frage nach der künstlerischen Qualität bei jedem einzelnen Bild (und nicht dem Gesamtwerk) gestellt und beantwortet werden.

Er collagiert kunstgeschichtliche Versatzstücke, die leider oft bloß nebeneinanderstehen und in ihrer Komposition nichts darüber hinaus sagen, keine neue Bedeutung erschaffen oder Geschichte anstoßen. Figuration und Realismus bringen kein mehr an Erkenntnis. Seine guten Werke sind meines Erachtens jene, denen man nicht auf den ersten Blick ansieht, wo er ästhetisch gewildert hat, z.B. "Das Puppenhaus", das jetzt im Büro des kulturpolitischen Sprechers der FDP-Fraktion Hartmut Ebbing hängt, da es der Bundestag angekauft hat.

In einem Interview (Monopol 07/2019, S 92 ff) erklärt Ebbing, weshalb ihm das Bild gefällt: Es erinnert ihn an eine eigene Kreuzfahrt und deren Licht- und Luftstimmung, ebenso sieht er die Zerrissenheit der sitzenden Person. Axel Krauses Anliegen des Kommunikationsanstoßes ist hier auf das beste erfüllt. Nicht mehr und nicht weniger will und kann Krauses Kunst.

Axel Krause (*1958 in Halle) gehörte nie zu den bekannten Namen der Neuen Leipziger Schule (wie z.B. Neo Rauch oder Tim Eitel), die Debatte um sein Werk oder besser seine politische Gesinnung hat den Verkauf allerdings ordentlich angekurbelt.

alle Bilder © Axel Krause