Menschen in expressiver Bewegung, Kinder, Tiere und Stadtansichten bestimmen das figurativ umfangreiche und vielfältige Werk des spanischen Malers Gonzho. Obwohl er mit seinen abstrakten Arbeiten bekannt wurde, kehrte er zur Gegenständlichkeit zurück, "aber immer mit meinem expressionistischen Touch, denn ein Hochglanzbild würde mich langweilen".(vgl. Gonzho hier, übersetzt mit DeepL)

Seit 2018 wendet er sich vermehrt dem Hundeporträt zu, wobei er mit hoher Sensibilität und Ausdruckskraft die Gemütslage und Gestimmtheit der Tiere einfängt.

Die Titel der Porträts weisen darauf hin, dass er nicht bloß Individuen einfangen will, sondern dass er auf der Suche nach dem Wesentlichen und Universellen ist und dem, was allen gemeinsam ist.

Am bemerkenswertesten an seinen Bildern empfinde ich die Menschlichkeit der Hunde. Sie drückt sich nicht nur in der Darstellung von Emotionen aus, die Hunden und Menschen gemeinsam sind, sondern dringen auch in die Morphologie der Körper vor. Ähnelt der Hund unten mit dem langen Hals nicht einer weiblichen Schönheit von Modigliani? Er scheint auch einen Mantel anzuhaben.

Und die Pfoten unten scheinen in menschliche Hände überzugehen!

Für Gonzho ist Gegenständlichkeit auch ein Mittel, um Geschichten zu erzählen und einen Dialog zwischen den Betrachtenden und dem Werk anzustoßen. Wenn Sie wie ich immer wieder Hilferufe von Tierheimen bekommen, wird Ihnen die Darstellung dieser verlassenen und hoffnungslosen Hunde bekannt vorkommen.

Gonzho, Francisco González Díez (*1967 in Marmolejo/Spanien) absolvierte eine Ausbildung in verschiedenen Künstlerateliers und war als Trickfilmzeichner, Schaufensterdekorateur, Restaurator und Zeichenlehrer tätig. Seit 2003 präsentiert er seine Arbeiten regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen in verschiedenen spanischen Städten, aber auch in Deutschland, Argentinien und Frankreich.

Quelle: El Hurgador

alle Bilder @ Gonzho

"I try to stage silence", sagt der belgische Künstler Hans Op de Beeck, er versuche in seiner Kunst die Stille zu inszenieren, deshalb stellen seine lebensgroßen Skulpturen meist Momente der Ruhe oder einfache, ruhige, alltägliche Handlungen dar, die von der Beschaulichkeit des Vergehens der Zeit erzählen. (vgl. monopol)

So auch der "Sleeping Dog" (Polyester, Beschichtung) von 2019. Vielleicht ist er ein junger molliger Labrador, kaum dem Welpenalter entwachsen, der seinen weichen Bauch gegen den Boden drückt, während er schläft.

Sein seidiges Haar ist akribisch dargestellt, die Augen sind fest geschlossen. Vor allem der graue Farbton, der dem farblosen Fußboden des Ausstellungsraums ähnelt, erzeugt eine ruhige Atmosphäre, als wäre die Zeit zu einem Moment angehalten. Oder wird die Zeit zur Ewigkeit ausgedehnt, wird die lange Pause, die der Hund einlegt, niemals enden.

Hans Op de Beeck lockt uns in seine melancholische Bildwelten zwischen Traum und Wirklichkeit. Er schafft räumliche Bildsituationen der Stille, Abgeschiedenheit und Zeitlosigkeit.

Wie alle Installationen und Skulpturen Op de Beecks ist auch "The Boatman" (2020) in Grau gefasst. Er zeigt uns eine lebensgroße Skulptur eines Mannes in einem kleinen Ruderboot, der das Boot scheinbar von einem Ufer wegschiebt. Neben seinem Hund und einem Huhn erkennen wir einen Rucksack, Kanister, persönliche Gegenstände und Waren in Körben, die er zum Verkauf oder Tausch anbieten kann. Ist das Huhn Gefährte wie der Hund oder zum Tausch bestimmt?

Woher kommt der Einzelgänger, wohin fährt er? Ist es eine Reise, um der Vergangenheit zu entkommen und eine andere Zukunft anzusteuern? Ist er heimatlos und ein ständig Reisender, ziellos Herumfahrender?

Op de Beeck ist bekannt für seine großformatigen Rauminstallationen und hyperrealistischen, spektakulären Skulpturen, die einen Moment einfrieren. Die Frauen, Männer, Kinder und Hunde, die in seinem Atelier Modell stehen, posieren für fiktive Figuren, für eine künstliche Welt, in der unsere komplexe Welt reflektiert wird und Fragen von Existenz und Sterblichkeit, Zeit und Zeitlosigkeit verhandelt werden.

Im Allgemeinen versuche ich, eine künstliche Welt zu evozieren, eine verdichtete Version der Realität, die von uns als Menschen spricht und unser Leben, unsere Beziehungen zu anderen, unsere Umwelt und unsere Sterblichkeit oft unbeholfen in Szene setzt. (zit.n. artbooms, übersetzt mit deepL)

Sein fast monochromes Werk wird ergänzt durch Gemälde, Animationen, Texte, Zeichnungen, Fotografien, Videos, Opern und Theater, wobei er sich auf vielfältige Weise zwischen verschiedenen Medien bewegt.

Hans Op de Beeck (*1969 in Turnhout/Belgien), lebt und arbeitet in Brüssel. Er ist nicht nur bildender Künstler, sondern auch Regisseur, Komponist, Choreograf, Kurator, Bühnenbildner. Seine Werke werden weltweit in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt.

alle Bilder © Hans Op de Beeck

Eine ganz wunderbare Stimmung hat Camilla Mihkelsoo in ihrem Bild "It‘s later than you think" eingefangen! Ein nacktes schutzloses Kind hält schützend einen zarten kleinen Hund. Beide wenden sich schamvoll vom Betrachter ab, Verletzlichkeit und Zerbrechlichkeit ausdrückend. Der Titel gemahnt an die Vergänglichkeit, die die Künstlerin immer wieder thematisiert.

Obwohl uns das "Child With A Dog" direkt anschaut, scheint es keinen Kontakt mit uns Betrachtenden aufzunehmen, vielmehr scheint es in seinen eigenen Gedanken verloren zu sein, irgendwo zwischen Präsenz und Abwesenheit balancierend.

Camilla Mihkelsoo malt fast nur Frauen und Kinder, manchmal von Hunden oder anderen Tieren begleitet. Für sie ist die Kindheit ein Lebensabschnitt, der nie endet und uns immer begleitet. Obwohl wir zu den Momenten der Kindheit nicht zurückkehren können, wirken die Erfahrungen unserer Vergangenheit in die Gegenwart hinein.

Die Porträtierten sind anonym, da die Künstlerin als Vorlage hauptsächlich gefundene Fotos von der viktorianischen Ära bis zu den 1950er Jahren verwendet, die sie in einem persönlichen Fotoarchiv sammelt. Mit der Anonymität versucht sie, etwas Universelles und Kollektives darzustellen, um sich von der traditionellen Porträtmalerei zu unterscheiden.

Camilla Mihkelsoo lässt sich von Vintage-Fotografien anregen, interpretiert sie aber neu, weshalb sich das ursprüngliche Thema des Werks während des Arbeitsprozesses ändern kann. Sie hebt die Bilder aus ihrem Kontext heraus, transformiert sie durch den Akt des Malens, um bisher ungesehene - psychologische, persönliche oder malerische - Elemente zu enthüllen.

Camilla Mihkelsoo (*1978 in Tallinn/Estland) schloss 2014 ihr Studium an der Free Art School in Helsinki ab und erlangte 2020 ihren Master of Fine Arts an der Academy of Fine Arts, Helsinki. Sie hat an Einzel- und Gruppenausstellungen teilgenommen, Ihre Werke sind in wichtigen finnischen Sammlungen vertreten. Sie lebt und arbeitet in Finnland und Italien.

alle Bilder © Camilla Mihkelsoo

"Presence of animals is important because they do not convert anything into money"

Als ich nach dem finnischen Künstler Veikko Hirvimäki gegoogelt habe, fand sich an erster Stelle ein Wikipedia-Eintrag zu einem anscheinend namensgleichen Künstler, der 1941 geboren war. Sein Vater war also auch schon Künstler, war mein erster Gedanke. Erst nach weiteren Recherchen merkte ich, dass es sich um "meinen" Veikko Hirvimäki handelt. Niemals wäre ich auf die Idee gekommen, dass diese formal (nicht inhaltlich) witzigen, heiteren Arbeiten von einem alten Mann stammen.

Veikko Hirvimäki vor "Demonstration" von 2016, Foto: Angel Gil

Veikko Hirvimäki hat vor Jahrzehnten als Maler begonnen, wobei er in unterschiedlichen Stilrichtungen arbeitete. Er wandte sich dann der abstrakten Bronze- und Steinskulptur zu und arbeitete in den 1980er Jahren vor allem für den öffentlichen Raum in Helsinki. Erst mit der Jahrtausendwende begann er mit seinen ausdrucksstarken und liebenswerten Holzskulpturen, die ich Ihnen hier zeige.

Trotz ihres ernsten Themas strahlen seine Tierskulpturen Individualität, Wärme und skurrilen Humor aus. Er porträtiert Tiere, oft mit anthropomorphen Eigenschaften ausgestattet, als ob sie eine stumme Kritik an der menschlichen Dummheit und Hybris üben würden.

Folgende Überlegung des Künstlers geht der tierischen Werkgruppe voraus:

 

Since decades I woke up wondering if art for art was enough for me. I came to the conclusion that it should include an underneath message. A message which refers to the roots of man, to the time where he had no weapons to disrupt the state of nature.

When men went painting on the walls of caves, it was a ritual for asking and thanking nature. Here are our roots. Man became a dictator on our planet, starting to rule everything with artificial intelligence based on profit and destroying the equilibrium of nature for our consumers fever, our wellbeing and our comfort.

Animals in my work are messengers. They are at once demonstrators and revolutionaries who react against the destruction of NATURE.

This is why I call this ensemble Demonstration of Nature. (hier)

Seit Jahrzehnten frage ich mich, ob Kunst um der Kunst willen für mich genug ist. Ich kam zu dem Schluss, dass sie eine Botschaft enthalten sollte. Eine Botschaft, die sich auf die Wurzeln des Menschen bezieht, auf die Zeit, als er noch keine Waffen hatte, um den Zustand der Natur zu stören.

Als die Menschen an die Wände der Höhlen malten, war das ein Ritual, um die Natur zu bitten und ihr zu danken. Hier sind unsere Wurzeln. Der Mensch wurde zum Diktator auf unserem Planeten und begann, alles mit künstlicher Intelligenz zu regieren, basierend auf Profit und der Zerstörung des Gleichgewichts der Natur für unser Konsumfieber, unser Wohlbefinden und unseren Komfort.

Tiere sind in meiner Arbeit Boten. Sie sind gleichzeitig Demonstranten und Revolutionäre, die sich gegen die Zerstörung der NATUR wehren.

Deshalb nenne ich dieses Ensemble Demonstration der Natur. (übersetzt mit DeepL)

 

We need to talk, 2018, Teil eines Triptychon

Hirvimäki wendet sich also dem Thema Natur und Tier zu und stellt seine Tierskulpturen zu Triptychen, aber auch zu rudelartigen Installationen zusammen. Wölfe, Füchse, Elche, Vögel und Reptilien erinnern uns an die Verwundbarkeit der Natur und daran, dass der Mensch ehemals Teil der ihn umgebenden Natur war, mit den Jahreszeiten und Tieren koexistierte.

Wenn seine Tiere jetzt "demonstrieren", dann deshalb, weil ihr Lebensraum in Gefahr ist. "We need to talk", fordert uns der Wolf auf, während er den menschlichen Galerieraum durchbricht. Er symbolisiert nicht die mehr die Wildnis, sondern deren Gefährdung; erhebt seine Stimme, um eine gemeinsame Lösung zu finden und uns zum Handeln aufzurufen.

Die Skulpturen, die direkt an den Wänden angebracht sind, erinnern nur im ersten Moment an Jagdtrophäen, denn Hirvimäki stellt die Tiere ganz lebendig und spürbar präsent dar.
 

Hirvimäkis Kunst drückt eine große Sorge über die Umweltkrise und die Zukunft unseres Planeten aus: Der Titel der Skulptur unten "On Thin Ice" kann als Verweis auf die riskante Lage der Menschheit und der Tierwelt interpretiert werden, die beide buchstäblich auf immer dünnerem Eis laufen.

Seine Skulpturen erscheinen grob und unfertig, ihre Form folgt so weit wie möglich der Form des Holzes. Mit einer kleinen Axt bearbeitet, bleiben Äste, Unebenheiten und knorrige Strukturen sichtbar, ihre raue unbehandelte Oberfläche wird mit einer lebendigen Farbschicht überzogen. Das Holz erwacht in der Skulptur zu neuem Leben.

Schamanismus und Mythologie inspirieren seine Skulpturen. Auf den ersten Blick erinnern Hirvimäkis Werke an die finnisch-ugrische Volkstradition, doch scheint er in seinen Arbeiten Fragmente verschiedener Kulturen und Zeitabschnitte zu Bildern universeller Natur zu verbinden. Seine Werke sind erdig, mystisch und primitiv und vermitteln das Interesse des Künstlers an der Natur, ihrer Bedeutung und ihrer Erhaltung.

Die bizarren Kreaturen führen ein Eigenleben, zeigen und behaupten sich an ungewohnten Plätzen; ragen aus der Wand, recken sich auf dem Boden oder zeigen sich in bunter Verkleidung.

"Images of memory" nennt der Künstler seine Installationen, die er aus mehreren Einzelstücken an Wände drapiert und die seine Erinnerungen verkörpern.

"Song" besteht aus 24 Einzelobjekten bzw. Erinnerungsstücken: verkohlten Werkzeugteilen, einem Spielzeugauto sowie Utensilien, die nicht auf direkte Nutzanwendung abzuzielen scheinen. Er ergänzt diese Gegenstände mit Tieren, die sich auf der Wand winden oder sich einen Weg aus der Wand bahnen.

Urtümliches Material und zeitgenössische Form der Installation treffen hier aufeinander, Wie traditionelle Vanitas-Stillleben verkörpern die Erinnerungsbilder die Vergänglichkeit allen Seins und aller Materie.  (vgl. Dr. Sonja Lechner)

Um einen Eindruck von der Größe seiner Arbeiten zu bekommen, zeige ich Ihnen eine Ansicht der Ausstellung "Veikko's Wild Friends" in München, 2021.

Veikko Hirvimäki (*1941 in Petäjävesi/Finnland) stellt europaweit aus. Seine Arbeiten sind in bedeutenden öffentlichen Sammlungen Finnlands vertreten. Hirvimäki lebt in Ballaigues, Schweiz, und verbringt die Sommermonate in seinem Atelier in der Nähe seines Elternhauses in Petäjävesi.

Quellen: Galerie Forsblom, Galerie Stefan Vogdt, Auszug aus der Rede der Kunsthistorikerin Dr. Sonja Lechner