Der immer gleiche Hund läuft, sich umschauend, in einer verlassenen Stadt herum. Die Rollläden sind heruntergelassen. Die Geisterstadt ist in unterschiedlichen Abstraktionsgraden gemalt.

Im ersten Bild ist der Hund groß dargestellt, er spiegelt sich in den Wasserlacken, der Umraum ist nur gestisch expressiv bestimmt. Aussehen und inneres Erleben des Hundes scheinen in allen vier Bildern unverändert, nur äußere Stimmungs- und Wetterlagen ändern sich. Im zweiten Bild scheint etwas Ruhe eingekehrt, die Luft ist klarer.

Ghost Town I und II zeigen fast denselben Bildausschnitt, wobei sich der Hund in der unteren Darstellung nahezu in Farbschlieren auflöst, er noch abstrahierter, entmaterialisierter und düsterer ist.

In dieser expressiveren Variante hat der Hund die gleiche Farbigkeit wie seine Umgebung. Neben dieser kalten Farbgebung bringt die Unschärfe etwas Geheimnisvolles, Lebendiges, aber auch Bedrohliches ins Bild.

Ich habe nach Spuren gesucht, die mir verraten, wieso mich diese Bilder an Asien denken lassen, etwa an ein verlassenes chinesisches oder japanisches Dorf. Welche Spuren habe ich gefunden: Der Bildtitel "Ghost Town" klingt nach einem Thriller aus dem Fernen Osten, einem Eastern. Zeigen sich vielleicht Schriftzeichen im expressiven Duktus? Könnte nicht der blinde Samurai gleich zwischen den Häusern hervortreten?

Ganz falsch lag ich mit meiner Spurensuche nicht, denn die Bilder zeigen eine japanische evakuierte Stadt. Die deutsche Künstlerin Sabine Moritz hat die Bilder fünf Jahre nach dem Reaktorunglück von Fokushima nach einem alten Zeitungsfoto gemalt. Da die Einheimischen ihre Tiere zurücklassen mussten, blieb nur der verwaiste Hund im Bild. Die alte Heimat wurde für die ehemaligen BewohnerInnen und die Zurückgelassenen zur Gefahrenzone in dreckigem Katastrophengrau.

Sabine Moritz malt von Motiven, die ihr wichtig sind, mehrere Versionen, wobei sie den Bildausschnitt unterschiedlich skaliert oder die Bildwirkung durch die Wahl der Farben ändert. Damit dekontextualisiert sie das vorgegebene Motiv. Anstatt den Reaktorunfall zu malen, stellt sie dessen Auswirkungen dar und lässt uns im Unklaren darüber, was passiert ist.

Die Künstlerin wurde 1969 Quedlinburg in Ostdeutschland geboren und kam 1985 mit 16 Jahren in den Westen. Sie studierte zunächst an der Hochschule für Gestaltung Offenbach, bevor sie in die Kunstakademie Düsseldorf eintrat. Schon während des Studiums begann sie aus dem Gedächtnis zu zeichen, etwa die Plattenbausiedlung Lobeda nahe Jena, wo sie aufgewachsen war. Später zog sie für ihre Bilder auch Familienschnappschüsse, eigene Fotos und Zeitungsquellen zur Ergänzung der Erinnerung heran.

Und um Erinnerung geht es in vielen ihrer Werke: die Erinnerung an Ihren Vater, der bei einem Arbeitsunfall starb, als sie gerade vier Jahre alt war, die Erinnerung an die DDR, die ihr verloren schien und Heimweh verursachte, nachdem die Familie 1985 von Jena nach Darmstadt ausreisen durfte. In ihrer Malerei konkretisieren sich Moritz' Untersuchungen darüber, wie man sich erinnert und wie die Erinnerungen einer ständigen Veränderung und Verzerrung unterzogen sind, ja einem Verblassen anheimfallen. Mit ihren figurativen Bildern malt sie gegen das bevorstehende Vergessen an und erzählt gleichzeitig von persönlichen Erfahrungen, die Teil einer kollektiven Geschichte sind.

Screenshot von Marian Goodman Gallery

Ich war in meiner Bildersuche und Internet-Recherche schon weit fortgeschritten, als ich las, dass Sabine Moritz seit 1996 die Ehefrau von Gerhard Richter ist. Zuvor war sie seine Studentin in Düsseldorf. Das hat mich insoferne überrascht, als ich noch nie etwas von dieser großartigen und vielschichtigen Künstlerin gehört hatte.

Vielleicht hatte ich erwartet, dass ihr als Frau des weltberühmten Gerhard Richter viele Türen offen stünden. Doch das Gegenteil scheint hier der Fall zu sein. Vielleicht will niemand in Verdacht geraten, sie aufgrund ihres Ehemanns zu protegieren. Wie anders ist es zu erklären, dass es vergleichsweise wenig mediale Resonanz auf ihre Bilder gibt, obwohl ihre Arbeiten in Deutschland unter anderem in der Kunsthalle Rostock, Kunsthalle Bremerhaven, Von der Heydt Kunsthalle Wuppertal und international in London und Paris ausgestellt wurden. Allerdings ist ihr Werk in einer großen Anzahl von Katalogen präsent.

Bis zum 27. März 2021 zeigt die Galerie Pilar Corrias in London ihre Arbeiten in der Einzelausstellung ‘Mercy’. Neben großformatiger abstrakter Malerei und Zeichnung wird erstmals ihr fotografisches Werk ausgestellt. Sehr umfassend werden ihre Arbeiten auf der Homepage der Galerie gezeigt.

Die Künstlerin lebt und arbeitet in Köln.

Quellen: Marian Goodman Gallery, Galerie Pilar Corrias, Felix Ringel Galerie

alle Bilder © Sabine Moritz

Das erste Posting im neuen Jahr verdanke ich der Arbeit des südkoreanischen Künstlers Yongchul Kim, dessen Werk mich derart begeistert, dass ich die Vorbereitungen und Recherchen für andere Beiträge unterbrochen habe, um Ihnen seine Bilder sofort zeigen zu können!

Auf den ersten Blick haben mich seine Bilder an die düstere Melancholie der zeitgenössischen rumänischen Maler denken lassen. Das betrifft  nicht so sehr die Bilder, die ich für den Blog ausgewählt habe und die in ihrem Wechsel von Licht und Schatten, Hell-Dunkel- bzw. Farbkontrast sehr dramatisch wirken, sondern jene, die weniger dynamisch, dafür umso lyrischer und atmosphärischer, von Wasser und Spiegelung bestimmt sind. Schauen Sie sich dafür bitte Yongchul Kims Homepage und seine Arbeiten auf der Seite der Galerie Thomas Fuchs (hier und hier an) - auch wenn keine Hunde dabei sind.

Auf den zweiten Blick halten die meist großformatigen Werke Momente eines sich ständig verändernden Zustandes fest: Verflüssigung, Verschmelzung, Verschattung: Die Figuren treten aus den Schatten und aus der Umgebung hervor oder werden von ihr verschlungen; die mit den Hunden verschmolzenen Menschen schälen sich aus den Hunden heraus.

Nur vordergründig scheint Yongchul Kims breiter, flüssiger, flüchtiger Pinselstrich expressiv zu sein, genauer betrachtet ist er exakt gesetzt. Er folgt den Muskelsträngen, die sich dann wie Hautfetzen ablösen und eine leere translucente Hülle, einen transparenten Körper hinterlassen.

Allerdings folgt er den Muskeln nicht anatomisch korrekt, sondern frei und spielerisch, da er nicht auf unser naturwissenschaftliches Körperbild oder die Materie referiert, sondern auf deren Vergänglichkeit hindeutet. Gleichzeitig ist das Spiel mit Innen und Außen, Essenz und Fassade/Haut auch eine Reflexion über die Malerei: Ein Mensch oder Tier wird erschaffen und zugleich als bloßer Farbauftrag entlarvt.

Yongchul Kims Malerei ist Selbst- und Welterkenntnis. Die Figuren stellen stellvertretend für den Künstler und uns die Fragen nach Existenz und Identität: Wer bin ich? Was macht mich aus? Wie beeinflussen mich die Außenwelt und Gesellschaft?

Dementsprechend ist ein Leitmotiv das des Wanderers - mehrere Bilder heißen "Wanderer" - der sich auf die Suche nach der Wirklichkeit, die abseits der subjektiven Wahrnehmung besteht, und nach der eigenen Identität macht.

Man kann die Figuren aber auch weniger als Wandernde als vielmehr als Flüchtende betrachten. Als solche thematisieren sie das Getriebensein, das Ausgesetztsein gegenüber Bedrohungen und Anfeindungen. Als Angekommene verhandeln die Figuren auf Yongchul Kims Gemälden Fragen der sozialen Ausgrenzung und der gesellschaftlichen Randständigkeit.

Die Frage, was es bedeutet ein Fremder zu sein, beschäftigt den Südkoreaner auch persönlich, seit er nach Deutschland gezogen ist.: Ein sehr privilegierter Fremder allerdings, möchte ich ergänzen, der bereits in seiner Heimat ein Malereistudium abgeschlossen hat, bevor er nach Stuttgart an die Akademie der bildenden Künste kam. Mehr als ein Fremder oder Ausgegrenzter ist er wohl ein Proponent einer modernen globalisierten Gesellschaft.

Für meine mitlesenden Hasen- und Häsinnenfreunde und -freundinnen.

Das untere Bild der Krähe zeigt die Größe seiner Malerei: Sensibilität in der Farbgebung, Zartheit in der Gestalt/Gestaltung (Schnabel, Füße), Reichtum an Anknüpfungspunkten und Assoziationsräumen, mythisch, poetisch, tieftraurig.

Auch das Motiv "Wasser" taucht immer wieder auf. Es spiegelt - verzerrt und abstrahiert - die Wirklichkeit wider und wird somit zu einer Barriere, hinter der die Figuren das eigentliche Ich ohne subjektive Einflüsse wahrnehmen können. (vgl. Galerie Thomas Fuchs)

Yongchul Kim ( *1982 in Yeosu/Südkorea ) hat nach einem abgeschlossenen Malereistudium in Südkorea ab 2014 an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart studiert, wo er 2020 sein Diplom gemacht hat. Er lebt und arbeitet in Stuttgart.

Welche Aufgabe die Hunde. in seinen Bildern der Flucht (nicht nur des physischen Verflüchtigens) haben, welche Absicht Kim mit ihnen verfolgt, bleibt mir verborgen. Ich würde Sie gerne danach fragen, allerdings ist meine Kommentarfunktion, wie Sie sicher schon bemerkt haben, seit Jahren nicht aktiv. Ich musste sie abschalten, da ich mit automatisch generiertem Spam zugemüllt wurde. Meinen inzwischen 10 Jahre alten Blog auf einen technisch und benutzerfreundlich aktuellen Stand zu bringen, ist ein großes Vorhaben für den Herbst 2021.

alle Bilder © Yongchul Kim, Fotos von Galerie Thomas Fuchs

Was hat Duchamps "Fountain" (1917) mit Hunden zu tun? Betrachten Sie die Signatur R. Mutt: Im Mutt steckt der Hund. Vom Englischen ins Deutsche übersetzt bedeutet Mutt unter anderem Straßenköter oder Promenadenmischung. Da ich das Wort Köter überhaupt nicht mag, übersetze ich quasi politisch korrekt zu "unbegleiteter Hunde-Mix". Mutt als englisches Wort zu betrachten ist deshalb möglich, da Duchamp sein Werk auch mit dem englischen Wort "fountain" betitelt hat (statt das französische Urinoir zu verwenden), um durch den Transfer in eine andere Sprache eine Verfremdung zum Kunstgegenstand zu erleichtern.

Laut Duchamp geht Mutt auf die populären Comicfiguren Mutt und Jeff zurück, das R steht für Richard, also rich art und nicht wie vermutet für Armut (R. Mutt: englisch R und deutsch Mutt ausgesprochen). Es gibt noch weitere Wortspielereien und Mehrdeutigkeiten um R. Mutt, die sie auf Wikipedia nachlesen können.

Ist das untere Werk eine Paraphrase oder Persiflage auf das berühmte Urinal?

Wie auch immer die amerikanischen Künstler Tamara Johnson und Trey Burns ihre Übersetzung gemeint haben, es erfolgt eine Kommerzialisierung von Duchamps Werk sowie ein weiterer Funktionstransfer, allerdings auf sehr liebenswerte Art. Die Produktion erfolgt in Handarbeit unter Hinzufügung einer Seriennummer.

Aus dem ikonischen Readymade wird durch die Funktionalisierung zur Hundeschüssel ein einzigartiges Designobjekt. Aus R. Mutt wird Our Mutt, die Trinkschüssel für unseren Hund.

Unten sehen Sie Benny, den "Mutt" des Designers. Sie können das Wasserschüsserl auch kaufen, leider ist es so teuer, dass es sich nicht als witziges Mitbringsel für den Vierbeiner eines kunstsinnigen Menschen eignet.

Fotos der Our Mutt Dog Bowl © ourmutt.com

Ein einschüchterndes und bedrohliches Wolfsrudel (aus 110 Stahlgussteilen mit einem Gewicht von je 280 kg) drang während der letzten Monate in die Mitte von Florenz vor, dort schien es einen Krieger anzugreifen, der schwach und machtlos wirkte.

Erschaffen und in Szene gesetzt hat dieses eindrucksvolle, raumgreifende und mit Spannung aufgeladene Werk der chinesische Künstler Liu Ruowang.

Ich habe in den letzten von Corona überschatteten Monaten oft an die Künstlerinnen und Künstler gedacht, die monatelang auf eine Ausstellung hinarbeiten, die dann durch die Schließung der Ausstellungsräume kaum jemand sieht. Mit diesem Problem ist Liu Ruowang nicht konfrontiert, da seine Installation im öffentlichen Raum steht und die Wölfe nicht nur mit der Architektur interagieren, sondern auch mit den BewohnerInnen kommunizieren. Damit erfüllen sie die explizite Absicht des Künstlers, die Kunst frei zugänglich in den Alltag zu bringen. Er will den EinwohnerInnen von Florenz, die vielleicht nicht in ein Museum gehen würden, seine Kunst nahebringen und sie allgemein für Kunst sensibilisieren.

Und übersehen kann man diese monumentale Skulptureninstallation nicht, da sie zwei repräsentative Plätze einnimmt: Piazza Pitti und Piazza Santissima Annunziata. Die Wölfe stehen somit im Dialog mit zwei emblematischen Gebäuden der Renaissance, dem Filippo Brunelleschi zugeschriebenen Palazzo Pitti und seinem Ospedale degli Innocenti (Waisenhaus), bei dem er seine Auffassung von Raum, Proportionen und architektonischem Rhythmus zeigen konnte und das noch auf der Idee der Harmonie beruht. Diese Harmonie wird vorgeblich von den Wölfen gebrochen, deren Aggressivität, Zähigkeit und Stärke eine dramatische Spannung in die Ordnung der architektonischen Umgebung bringen.

Der Verlust der Harmonie zwischen Mensch/Kultur und Natur und deren Auswirkungen auf die Menschheit und den Planeten ist der Aspekt, der dem gesamten Werk von Liu Ruowang zugrunde liegt. Das Wolfsrudel steht als Warnung an die Menschheit; sie sind Agitatoren des Gewissens, die darauf abzielen, bei denen, die ihnen begegnen, eine tiefe Beunruhigung hervorzurufen und sie zur Erkenntnis und zum Umdenken zu bringen.

Der Wolf hat eine diverse symbolische und mythologische Bedeutung. Er wird sowohl als ein aggressiver und bedrohlicher "Räuber" (Rotkäppchen) als auch als ein wohlwollendes soziales Tier (Romulus und Remus) gesehen. Der Wolf, der auch in Mitteleuropa wieder Fuß fasst, lässt wohl niemanden kalt. Manche sehen in ihm ein Raubtier, das getötet werden muss (erst gestern habe ich gelesen, dass der Wolf in Deutschland in das niedersächsische Jagdgesetz aufgenommen wird), bei anderen hat er nahezu einen Heiligenschein.

Liu Ruowang inszeniert die Wölfe nicht als "Räuber", die Installation reflektiert vielmehr über die räuberische Haltung und Aggressivität des Menschen gegenüber der Natur und Umwelt. Unsere heutige Zivilisation wird vom wissenschaftlichen und technologischen Fortschritt und dessen Exzessen beherrscht, gerät nicht nur in Konflikt mit der Natur, sondern beherrscht und zerstört sie.

Auch ganz real sind der Wolf und andere Wildtiere bis in die Florentiner Boboli-Gärten vorgedrungen, ist das Wilde in die Zivilisation zurückgekehrt.

Die "Lupi in arrivo" allerdings haben nicht nur Florenz erobert, sie waren auch 2015 auf der Biennale in Venedig. In Deutschland kamen die Wölfe 2016 bis in die Eingangshalle der internationalen Kunstausstellung NordArt (Foto unten), von dort starteten sie ihre Europa- und Amerikatournee.

Liu Ruowang (*1977, Shaanxi Provinz/China) gehört zu den wichtigen zeitgenössischen Künstlern Chinas. Er hat an der China Central Academy of Fine Arts studiert, stellt weltweit aus, erhält zahlreiche Preise und Auszeichnungen. Seine Werke - Skulpturen und Gemälde - sind im chinesischen kulturellen und historischen Kontext verwurzelt, er schöpft aber auch aus unserem gegenwärtigen Dasein und der westlichen Kultur. Immer geht für ihn die Geschichte des Menschen mit der Geschichte seiner Beziehung zur Natur einher.

Quellen: Lorenzelli Arte, Uffizien